Baixar Livro Movimentos Modernistas no Brasil – 1922-1928 – Raul Bopp PDF MOBI LER ONLINE

História, Nacional

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Em Movimentos Modernistas no Brasil, Raul Bopp reconstrói, por meio de recortes e depoimentos, o itinerário de um dos momentos mais importantes da história da literatura e das artes brasileiras. Fora de catálogo desde 1966, este relançamento traz relatos do próprio Bopp sobre o início do Movimento Modernista e sua repercussão pelo país, inserindo o leitor no contexto histórico e cultural da época. Trata-se de um dos momentos marcantes na literatura, música e artes, onde nomes como Mário e Oswald de Andrade, Villa-Lobos, Anita Malfatti e Tarsila do Amaral são alguns dos expoentes dessa transformação.

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Opinião do Livro Movimentos Modernistas no Brasil – 1922-1928 – Raul Bopp PDF MOBI LER ONLINE

Em sua gênese, o período modernista na literatura Brasil foi o primeiro e acima de tudo uma reação visceral contra a cultura vitoriana e estética, que prevaleceu durante a maior parte do século XIX. Na verdade, uma ruptura com as tradições é uma das constantes fundamentais da postura modernista. Intelectuais e artistas na virada do século XX, acreditava que o caminho gerações anteriores de fazer as coisas era um beco sem saída cultural. Eles podiam prever que os eventos mundiais foram em espiral em território desconhecido. A estabilidade ea quietude da civilização Victorian foram rapidamente se tornando uma coisa do passado. O assassinato do arquiduque Ferdinando da Áustria foi essencialmente o fato gerador da Primeira Guerra Mundial, um conflito que varreu todas as noções preconcebidas sobre a natureza da chamada guerra moderna.
No mundo da arte, de modo geral, o Modernismo foi o início da distinção entre arte “alta” e arte “baixo”. As reformas educacionais da Era Vitoriana levou a um rápido aumento nas taxas de alfabetização e, portanto, uma maior demanda por literatura ou todos os tipos. A imprensa popular rapidamente desenvolvido para suprir essa demanda. Os letrados sofisticados encarado esta nova literatura popular com desprezo. Escritores que se recusaram a se curvar aos gostos populares encontraram-se em um estado de alienação da corrente principal da sociedade. Em certa medida, essa alienação alimentado no estereótipo do artista distante, produzindo nada de valor comercial para o mercado. Vale a pena mencionar que esta alienação trabalhou em ambos os sentidos, como o público leitor em grande viraram as costas para muitos artistas “elitistas”. O mundo acadêmico tornou-se uma espécie de refúgio para os artistas insatisfeitos, pois elas podem acotovelar-se com colegas intelectuais marginalizados. Ainda assim, os poetas e romancistas mais eficazes conseguiram fazer declarações profundas que foram absorvidos pelo conjunto da sociedade e não apenas círculos internos do escritor. Nos anos posteriores do período modernista, uma forma de populismo voltou para o mainstream literário, como regionalismo e identidade política se tornou influências significativas sobre a finalidade e direção do esforço artístico.
O século XIX, como os vários séculos antes dele, foi um momento de privilégio para ricos homens caucasianos. Mulheres, minorias e os pobres foram marginalizados até o ponto de silêncio absoluto e inconsequência. O século XX testemunhou o início de um novo paradigma entre o primeiro os sexos, e mais tarde entre diferentes grupos culturais. Classe distinção continua a ser, sem dúvida, a ponte mais difícil de atravessar, em termos de formação de uma sociedade verdadeiramente justa. Alguns argumentariam que aula tornou-se um eufemismo para a corrida, mas isso é outra discussão. O ponto é que, como o século XX avançava, uma maior variedade de vozes literárias ganhou a luta para ser ouvido. O que tinha tão recentemente sido inconcebível foi progressivamente se tornando uma realidade. Os afro-americanos participaram do Renascimento do Harlem, com os gostos de Langston Hughes na vanguarda de uma nova linguagem vibrante na poesia americana. Mulheres como Hilda Doolittle e Amy Lowell tornaram-se líderes do movimento Imagist. Nada disso é para sugerir que o racismo eo sexismo tinha sido completamente deixado para trás no mundo da arte. Talvez tais manchas nunca pode ser totalmente apagado, mas os avanços que foram feitos no século XX foram notáveis ​​por qualquer medida.
Na literatura modernista, foram os poetas que tomaram máximo proveito do novo espírito dos tempos, e estendeu as possibilidades de seu ofício para comprimentos não previamente imaginado. Em geral, houve um desdém pela maior parte da produção literária do século passado. As excepções a este desdém foram os poetas simbolistas franceses como Charles Beaudelaire, eo trabalho do irlandês Gerard Manley Hopkins. Os simbolistas franceses foram admirados pela sofisticação de suas imagens. Em comparação com muito do que foi produzido na Inglaterra e na América, os franceses estavam à frente do seu tempo. Eles foram igualmente sem medo de mergulhar no assunto que geralmente tinha sido tabu para tal forma de arte refinada. Hopkins, por sua vez, trouxe uma nova forma de olhar para o ritmo ea palavra de uso. Ele mais ou menos inventado seus próprios ritmos poéticos, assim como ele cunhou suas próprias palavras para coisas que tinha, para ele, nenhum descritor adequado. Hopkins teve nenhum treinamento formal na poesia, e ele nunca publicou em sua vida. Este modelo – o artista autodidata-eremita que não tem nenhum desejo para a adulação pública – se tornaria sinônimo com o poeta na idade moderna. Esse estereótipo continua inigualável até hoje, apesar do fato de que os poetas mais talentosos da época moderna estavam longe de ser contemplativos. Mesmo que a alienação foi uma experiência quase universal para os poetas modernistas, era impossível escapar algum nível de engajamento com o mundo em geral. Mesmo que este compromisso foi mediada através da poesia, a relação que os poetas teve com o seu mundo era muito real, e muito revelador do estado de coisas no início do século XX.
Que antecedeu a Primeira Guerra Mundial, Imagist poesia foi dominando a cena, e varrendo pontos de vista estéticos anteriores para debaixo do tapete. Os imagistas, entre eles Ezra Pound, procurou a ferver língua para baixo a sua essência absoluta. Eles queriam que a poesia para se concentrar inteiramente em cima de “a coisa em si”, nas palavras do crítico-poeta TE Hulme. Para conseguir esse efeito necessária linguagem minimalista, uma diminuição de regras estruturais e uma espécie de franqueza que a poesia romântica vitoriana e faltava a sério. Dreaminess ou poesia Pastoral foram completamente abandonado em favor deste novo, frio, alguns poderiam dizer poética mecanizadas. Imagist poesia era quase sempre curto, sem rima, e visivelmente escasso em termos de adjetivos e advérbios. Em alguns pontos, a linha entre poesia e linguagem natural tornou-se turva. Esta foi uma partida afiada do estilo ornamental, detalhado da era vitoriana. Idos também foram as preocupações com a beleza e natureza. Possíveis temas para a poesia estavam agora sem limites e poetas aproveitou esta nova liberdade.
Nenhum poeta modernista já recebeu mais elogios e atenção do que Thomas Stearns Eliot. Nascido no Missouri, TS Eliot acabaria por se estabelecer na Inglaterra, onde ele iria produzir alguns dos maiores poesia e crítica do século passado. Eliot pegou onde os imagistas parou, enquanto a adição de alguns de seus próprios estética peculiar à mistura. Sua principal contribuição para o verso do século XX foi um retorno à altamente intelectual, poesia alusiva. Ele olhou para trás para a inspiração, mas ele não estava nostálgico ou romântico sobre o passado. Produções de Eliot eram inteiramente no estilo moderno, mesmo que seus projetos eram poetas metafísicos do século XVII. Uma das características distintivas da obra de Eliot é a maneira pela qual ele se move sem problemas desde muito alta, verso formal sobre um estilo mais coloquial e simples. No entanto, mesmo quando a sua voz poética soa muito coloquial, há um baixo atual, que esconde significados secundários. É essa camadas de significados e contrastante de estilos que marcam a poesia modernista em geral e TS Eliot em particular. Não é nenhum exagero dizer que Eliot foi o pioneiro do modo irônico na poesia; ou seja, as aparências enganosas escondendo verdades difíceis.
Na literatura americana, o grupo de escritores e pensadores conhecida como a Geração Perdida tornou-se sinónimo com o Modernismo. Na esteira da Primeira Guerra Mundial, vários artistas norte-americanos escolheram viver no exterior como eles perseguiram os seus impulsos criativos. Estes incluíram o intelectual Gertrude Stein, os romancistas Ernest Hemingway e F. Scott Fitzgerald, eo pintor Waldo Pierce, entre outros. O próprio termo refere-se à ressaca espiritual e existencial deixada pelos quatro anos de guerra inimaginavelmente destrutivo. Os artistas da Geração Perdida lutou para encontrar algum significado no mundo, na esteira do caos. Tal como acontece com grande parte da literatura modernista, isso foi conseguido, girando o olho da mente para dentro e tentar gravar o funcionamento da consciência. Para Hemingway, isso significou o abandono de toda a linguagem ornamental. Seus romances são famosos por seus extremamente peças, sem corte, frases simples e emoções que tocam para fora da direita na superfície das coisas. Há uma ironia a esta franqueza, no entanto, como seus personagens muitas vezes escondidas agendas escondidas, às vezes até de si mesmos, que servem para guiar suas ações. The Lost Generation, como outros “grandes modernistas,” deu-se na idéia de que qualquer coisa era verdadeiramente cognoscível. Toda a verdade tornou-se relativa, condicional, e em fluxo. A Guerra demonstrou que nenhum espírito-guia rege os acontecimentos do mundo, e que a destruição absoluta foi colocada em xeque por apenas o mais ínfimo de margens.
A novela era de modo algum imune às auto-consciente, impulsos reflexivos do novo século. Modernismo introduziu um novo tipo de narrativa ao romance, aquele que iria mudar fundamentalmente toda a essência do romance escrito. O narrador “não confiável” suplantou o narrador onisciente, confiável de séculos anteriores, e os leitores foram forçados a questionar até mesmo as suposições mais básicas sobre como o romance deve operar. Ulisses, de James Joyce é o principal exemplo de um romance cujos eventos são realmente os acontecimentos da mente, cujo objetivo é traduzir tão bem quanto possível os caminhos estranhos da consciência humana. Uma perspectiva totalmente nova veio a ser conhecida como “fluxo de consciência”. Ao invés de olhar para o mundo, os grandes romancistas do início do século XX examinou o espaço interior da mente humana. Ao mesmo tempo, as teorias psicanalíticas de Sigmund Freud tinha vindo para a aceitação mainstream. Estas duas forças trabalharam em conjunto para alterar compreensão básica do que constitui a verdade ea realidade das pessoas.
A experimentação com gênero e forma foi mais uma característica definidora da literatura modernista. Talvez o exemplo mais representativo deste modo experimental é longo poema de TS Eliot The Waste Land. Os críticos literários, muitas vezes destacar The Waste Land como a amostra definitiva da literatura modernista. Nele, se é confrontado por formas bíblicas sonoridade verso, interlúdios quase-conversação, densas e frequentes referências que frustram até mesmo os leitores mais bem lido, e secções que se assemelham a prosa mais de poesia. Ao mesmo tempo, Eliot exibe plenamente todas as convenções que se espera na literatura modernista. Não é a ocupação com a auto e interioridade, a perda de estruturas tradicionais para reforçar o ego contra realidades chocantes, e uma natureza fluida a verdade e conhecimento.

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Written by dmendes40

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