Baixar Livro Como Ouvir e Entender Música – Aaron copland PDF MOBI LER ONLINE

Ciência, Comportamento

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Como Ouvir e Entender Música – Como ouvir música? A pergunta pode soar estranha, afinal, qualquer um parece capaz de fazê-lo. Nesta obra, no entanto, o compositor norte-americano Aaron Copland parte de uma questão anterior: quando ouve música, você está de fato ouvindo tudo que está acontecendo? Se não puder responder “sim”, você precisa ler este livro. O que o autor pretende é conduzir a uma audição inteligente, na qual o ouvinte deixe de ser um elemento passivo para tornar-se alguém que estabelece um diálogo com a música. Não importa se você ouve Mozart ou Duke Ellington: as sugestões de Copland levarão a uma apreciação muito mais profunda desta arte tão presente e prazerosa.

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Opinião do Como Ouvir e Entender Música – Aaron copland PDF MOBI LER ONLINE

Este é um livro fantástico para o leigo que quer se tornar um ouvinte mais inteligente e que queira entender mais sobre o que está acontecendo na música clássica (nota: toda a música clássica, e não apenas do período clássico). Copland começa com uma explicação sobre o que a música é e como ele funciona, muda-se para instrumentos, em seguida, para formas, acrescenta um capítulo apologista de música contemporânea, e termina com um capítulo sobre o que significa ser um bom ouvinte e os ouvintes papel muito significativo jogar na participação da criação musical.

Como um livro para o leigo, eu acho que é maravilhoso. É inteligente, detalhado, abrangente e Copland pontua analisa seu objetivo com descrições de agitação do impacto emocional da música que lembrar aos leitores como evanescente e misteriosa boa música é. Foi uma verdadeira alegria para ler uma obra de alguém que possa descrever tão bem os aspectos técnicos da música, mas de uma forma que se recusa a reduzir música para algo totalmente tangível. Copland nunca perde ênfase na sublimidade da música e do inexplicável, em vez de por boa música soa e “sente” tão bom para nós.

Como um não-leigo decididamente para o mundo da música, eu encontrei-me roçando as secções teóricas iniciais. Os capítulos sobre formas eram uma reciclagem fantástica, no entanto (desculpe, há muito perdidos livros de teoria musical faculdade), e eu gostava de suas discussões sobre história da música por toda parte. Como um fã de Bartok e Villa-Lobos e Satie, eu amei capítulo apologista de Copland para a música moderna e contemporânea (contemporâneo para a edição de 1957), lembrando aos leitores e ouvintes que, apesar de m / c música é muito mais difícil porque quebra tão completamente de as formas e sons tonais com os quais nos familiarizamos (e que são cientificamente comprovadas para ser melífluo), é a música dos nossos dias e só fazemos a nós mesmos um desserviço por não participar nele e trabalhar para compreendê-lo. Nós nunca pode gostar, mas ele contém riquezas que merecem o nosso esforço e apreciação, como qualquer outro período e forma.

Copland define sugestivamente música como uma linguagem para emoções que são inexprimível em linguagem escrita ou falada. Como qualquer linguagem, verdadeiro apreço e fluência exige que Copland pede a seus leitores / ouvintes: um compromisso com a intencional, repetição, pensativo, contratado escuta em todos os períodos históricos e formas de arte. Isso começa com uma maior compreensão dos aspectos técnicos da música e composição (que Copland tem prestado) e culmina em ser capaz de simplesmente deixar uma peça – não importa como “sem forma” e atonal – acontecer, dando-lhe a liberdade para criar nostalgia, (re) criar uma experiência emocional que nos envolve por 10 minutos ou três horas. Reading Copland, você quer saber por que mais pessoas não se envolver plenamente o seu intelecto com a música. Ele tem muito a oferecer, e nós temos muito a oferecer como ouvintes. Música realmente é “uma das glórias da humanidade.” (229)

De igual importância ao texto em si são sugestões de escuta de Copland de peças que exemplificam a forma ou elemento ele descreve no capítulo anterior. Eu tinha a intenção de ouvir como eu fui junto, mas quando eu percebi que não iria terminar o livro até o verão se eu continuasse com esse modelo, decidi terminar o livro e, em seguida, passar os próximos meses ouvindo cada peça depois de um breve reciclagem de seu contexto capítulo. Eu recomendo cada leitor fazer algo semelhante. Não é bom única ler sobre música; para conhecer a música que você, obviamente, deve ouvi-la e Copland forneceu uma riqueza de seleções para o efeito.

Uma introdução básica e útil para música para alguém como eu, ou seja, sem formação musical além de jogar o pianica na escola primária, e dedilhar as fogueiras redondas guitarra na escola. Neste primeiro livro escrito em 1930, Copland distingue entre escuta em um avião sensual (mera apreciação da qualidade do som) e em aviões musicais expressivas e sheerly. Apesar de não desprezar o primeiro, ele afirma que uma melhor compreensão da música aumenta nosso prazer nele. Conhecimento aumenta paixão, como eu tento (e vão) para convencer meus alunos sobre a poesia.

Um capítulo é dedicado a cada um dos quatro elementos da música: ritmo, melodia, harmonia e qualidade tonal, ea discussão sucinta, dando apenas detalhes suficientes, constrói claramente o que foi explicado antes. Há também capítulos sobre as formas tradicionais de música, tais como cortes, fugas, e sonatas, bem como em formas livres. Trechos curtos de pontuação ilustrar o ponto feito. Eles são muitas vezes de Beethoven, provavelmente porque ele é mais familiar ao leitor, mas também porque ele ocupa muito elevado no panteão de Copland. Outros compositores mencionado mais de uma vez incluem Palestrina, Bach, Tchaikovsky, Debussy, Stravinsky, Schoenberg, Webern, Roy Harris. Como seria de esperar de um compositor contemporâneo, Copland faz um passo para a música moderna: é difícil, ele reconhece, mas ela é contínua em seu uso de elementos musicais com o que aconteceu antes.

Para ilustrar formas “livres”, Copland, surpreendentemente, refere-se a Bach.

Bach escreveu um bom número de prelúdios (muitas vezes seguido por uma fuga de equilíbrio) muitos dos quais estão na forma “livre”. Era estes que Busoni apontado como um exemplo do caminho que ele pensou que a música deve tomar. Bach conseguida uma unidade de concepção nestes preludios “livres”, quer através da adopção de um padrão de carácter bem definido, ou por uma clara progressão das harmonias cordais que levam desde o início de uma peça para a extremidade sem utilizar qualquer repetição de materiais temáticos. Muitas vezes, ambos os métodos são combinados. Por esses meios Bach gera uma sensação de fantasia livre e uma liberdade corajosa de design que seria impossível de alcançar no prazo de uma forma estrita. Quando se ouve deles, a convicção de que cresce Busoni estava certo em dizer que os futuros problemas de manipulação de forma na música estão ligados com este Bach-like liberdade na forma.
Há um capítulo sobre ópera e música drama, no qual ele se alinha os compositores em lados opostos com base em se eles exaltam a palavra ou a música. Wagner elogia por sua música, mas lamenta por suas idéias e palavras: arte total foi um fracasso. Um capítulo sobre música de cinema, um gênero próprio Copland escreveu, centra-se sobre o processo de composição e colaboração.

Uma boa parte do fascínio do livro para mim encontra-se no ponto deste insider de vista, na perspectiva do fabricante. Em uma seção introdutória, Copland defende a “expressividade” da música contra os defensores da música “pura”. Que a defesa parece repousar sobre a idéia de intenção autoral. O compositor bate em cima de um tema musical e desenvolve-lo da maneira que ele faz, porque ele deseja expressar “algo” através da música. Embora esse “algo” é necessariamente geral, como uma emoção, não importa como o que o compositor deseja comunicar aos seus ouvintes.

Copland exorta o leitor a ouvir “a longa fila,” o caminho ao longo do qual uma peça de música se desenvolve, e, finalmente, é coerente. Ele descreve la ligne grande desta maneira:

É difícil de explicar adequadamente o significado dessa frase para o leigo. Para ser bem compreendida em relação a uma peça de música, deve ser sentida. Em simples palavras, isso simplesmente significa que todos os bons pedaços de música deve nos dar um sentido de fluxo – um sentido de continuidade desde a primeira nota para durar. Cada estudante de música elementar conhece o princípio, mas para colocá-lo em prática tem desafiado as maiores mentes da música! A grande sinfonia é uma Mississippi feita pelo homem para baixo que nós irresistivelmente fluir a partir do instante de longa para um destino previsto nossa despedindo-. A música sempre tem que fluir, para que é parte de sua própria essência, mas a criação dessa continuidade e fluxo – que longa linha – constitui o estar-todo e extremidade-todo da existência de cada compositor.
Em suas referências à evolução das formas musicais, ele destaca a tendência, sem reificação-lo, para o esbatimento das fronteiras entre as seções, movimentos, etc., e, portanto, uma maior organicidade. O “dissonância” da música moderna reside em nossos ouvidos não familiares, e não é assim tão diferente da dissonância da música inovadora anterior aos ouvidos de seu próprio público contemporâneo. A diferença é uma questão de grau, e não de tipo.

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Written by dmendes40

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